‘Assassin’s Creed’, una buena adaptación y una mala película

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La compañía francesa Ubisoft lanzó en el 2007 el videojuego ‘Assassin’s Creed‘, el cual se convirtió rápidamente en uno de los más vendidos de aquel año. La monotonía de las misiones provocó que el juego acabase resultando algo repetitivo, pero el envidiable aspecto técnico del que hacía gala cautivó a muchos jugadores. En el 2009 se lanzó una segunda parte mucho más pulida y que, esta vez sí, recibió la aprobación de crítica y público, siendo uno de los títulos más queridos de la pasada generación. Dadas sus millonarias ventas, Ubisoft ha explotado la saga desde entonces con una entrega anual, lo que ha acabado perjudicando tanto a la calidad como a las ventas de la franquicia. Es por ello que el año pasado la compañía decidió darle un respiro y anunció que no lanzarían un nuevo título hasta el 2017. Sin embargo, no iban a dejar escapar la oportunidad de seguir exprimiendo su particular gallina de los huevos de oro, anunciando la producción de una película basada en la saga.

En los videojuegos nos ponemos en la piel de distintos protagonistas, los cuales acceden a los recuerdos de sus antepasados y reviven sus aventuras gracias al Animus, una tecnología revolucionaria. Los personajes que encarnamos pertenecen al credo de los Assassins, encargados de enfrentarse a los Templarios en distintos períodos históricos, tales como las cruzadas o la Revolución Francesa. Semejante argumento tenía mucho potencial para ser adaptado a la gran pantalla: una lucha de asesinos contra templarios y una mezcla entre realidad y una atractiva época histórica. Desgraciadamente, las películas basadas en videojuegos tenían unos antecedentes que no hacían presagiar nada bueno, siendo ‘Silent Hill‘ el único caso de una adaptación fidedigna con un resultado aceptable. Sin embargo, el proyecto cobró adeptos con el anuncio de que Michael Fassbender iba a ser el protagonista principal. Él ha sido desde el primer momento el gran impulsor de la película, ejerciendo también de productor y trayendo a Justin Kurzel de director, con el que ya había coincidido en ‘Macbeth‘. A Fassbender le acompaña un reparto de alto calibre: Marion Cotillard, Jeremy Irons, Charlotte Rampling y Brendan Gleeson. Esto, unido a un presupuesto de 150 millones de dólares, convertía a la película en la destinada a poner fin a la maldición de las adaptaciones cinematográficas de videojuegos. Desgraciadamente, no ha acabado siendo así.

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El argumento de los videojuegos es bastante sencillo, por eso es difícil de entender el porqué de una serie de toma de decisiones en el libreto de Adam Cooper, Bill Collage y Michael Lesslieque que hacen de la trama un batiburrillo narrativo en el que en ocasiones no se sabe muy bien qué es lo que está ocurriendo en pantalla, empañando y de qué manera el resultado final de la cinta.

Por otra parte, el período histórico en el que se sitúan los videojuegos siempre ha sido gran parte del atractivo de los mismos, ya que nos permiten vivir contextos muy diferentes y conocer a personajes ilustres de la época. En los videojuegos, casi toda la historia transcurre en dichos períodos históricos, reservándose el presente a momentos puntuales. En cambio, la historia de la película se desarrolla principalmente en el presente, algo comprensible desde el punto de vista económico, pero que le resta bastante atractivo al film.

Michael Fassbender asume de forma convincente un doble papel y hace todo lo posible por dotar de carisma y personalidad a ambos personajes. Sin embargo, todos los demás implicados parecen estar bastante perdidos en sus papeles y sus personajes resultan un tanto desdibujados e insulsos, sin que lleguen a provocarnos en ningún momento cualquier atisbo de empatía.

Donde no se le puede poner pegas a la película es en el esfuerzo que han puesto sus responsables por contentar a los fans del videojuego. Aquí encontraremos el salto de fe, la hoja oculta de los asesinos, las persecuciones haciendo uso del parkour… Numerosos guiños que los jugadores sabrán apreciar.

Otro de los aspectos que no se puede criticar es su aspecto técnico. Justin Kurzel, al igual que ya hizo en ‘Macbeth’, dota a la película de una enorme fuerza visual y se aprecia el empeño que se ha puesto en dotar de credibilidad a todo lo que acontece en el período histórico de la Santa Inquisición. Todo está planeado para que el clima visual sea espectacular, pero el film carece de ritmo y presenta una serie de dolencias narrativas que acaban hundiéndolo.

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En definitiva, ‘Assassin’s Creed’ puede que sea la mejor adaptación cinematográfica de un videojuego jamás realizada, pero todo el empeño puesto en trasladar el mundo de la saga a la gran pantalla resulta en vano, pues lo que nos encontramos es una cinta espectacular visualmente, pero carente de ritmo y con numerosas dolencias narrativas. Una buena adaptación, pero una mala película.

Puntuación: 3/10

‘Passengers’, correcta space opera romántica

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Sony Pictures anunció a finales de 2014 la producción de ‘Passengers‘, siendo Morten Tyldum el elegido por la productora para ponerse detrás de las cámaras. Meses después, a mediados de 2015, se conoció que Jennifer Lawrence y Chris Pratt serían los protagonistas de la película.

El proyecto pasó por numerosas manos antes de que Sony diese luz verde al mismo, llegando a tener en un primer momento 35 millones de dólares de presupuesto y a Reese Witherspoon y Keanu Reeves de protagonistas. Sin embargo, Sony tenía en mente una cinta más ambiciosa, para la que querían a dos de los actores más cotizados del momento al frente. Esto supuso un aumento considerable de presupuesto respecto a lo inicialmente planeado, ascendiendo el sueldo de Lawrence a 20 millones, ocho más que lo cobrado por su compañero de reparto.

La historia nos sitúa en la nave espacial Avalon, encargada de llevar en estado de hibernación a cinco mil habitantes de la Tierra al planeta Homestead II. Sin embargo, algo sale mal y dos pasajeros despiertan noventa años antes de la llegada a dicho planeta.

El principal problema de la película es que, a pesar de contar con una premisa tan potente, nunca se molesta en explotarla ni en indagar en los dilemas éticos que plantea (no desvelaré nada para no revelar el primer giro de guión, aunque no queda claro hasta qué punto es un spoiler ya que la propia productora lo desveló como parte de la sinopsis cuando anunció el proyecto). En su lugar, decide relegarlo todo al carisma de sus dos protagonistas y centrarse en la historia romántica entre ambos, cayendo en lugares comunes y desperdiciando el atractivo de su planteamiento inicial. Y no es que lo que nos cuenta resulte tedioso y carezca de interés, a mí al menos me resultó muy entretenido, pero cuesta perdonarle su falta de valentía por no haber aspirado a más.

Otro de los problemas de la película es que va de más a menos. Tiene una enigmática primera en la que se plantea lo más interesante del film, una segunda en la que se explota el aspecto más romántico, y una tercera que, aparte de sentirse algo forzada y apresurada, roza el ridículo por la inverosimilitud de lo que vemos en pantalla.

A lo que no se le pueden poner pegas es al apartado de diseño de producción, cuidado hasta el más mínimo detalle y exhibiendo, junto a unos logrados efectos visuales, un espectáculo visual. Ello, unido a la labor de sus dos protagonistas, es lo que evita que la película se hunda.

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En definitiva, ‘Passengers’ no es una gran película ni será recordada en el futuro, pero sí que resulta un entretenimiento aceptable si te gusta el género y consigues perdonarle sus fallos. Una lástima que no le saque partido a su premisa inicial y se conforme con ser una agradable propuesta.

Puntuación: 5/10

‘La llegada’, la inevitable pérdida

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Denis Villeneuve es un director que se atreve con todo. En su filmografía se encuentran títulos tan diversos como ‘Incendies’, road movie sobre una intriga familiar con la Guerra de Líbano de fondo, ’Enemy’, drama psicológico sobre un profesor que lleva una vida monótona hasta que un día descubre que tiene un doble, ‘Prisioneros’, thriller sobre un padre que decide actuar por su cuenta ante el secuestro de su hija pequeña, o ‘Sicario’, dura crónica sobre la lucha contra las drogas en la zona fronteriza entre Estados Unidos y México. En esta ocasión, el director canadiense se pasa a la ciencia-ficción y rueda la mejor película del género de los últimos años.

La llegada’ cuenta con un guión de Eric Heisserer basado en el premiado relato ‘La historia de tu vida’ de Ted Chiang. La historia se desarrolla a partir de la repentina llegada de unos alienígenas a nuestro planeta, ante lo cual el Gobierno estadounidense contrata a la lingüista Louis Banks, interpretada por una soberbia Amy Adams, para averiguar si vienen en son de paz o si suponen una amenaza a nuestra especie. Louis afronta la difícil tarea de intentar comunicarse con los extraterrestres, cuyo lenguaje difiere mucho del nuestro. Para ello contará con la ayuda del matemático Ian Donnelly, interpretado por Jeremy Renner.

La película dista mucho de la típica cinta del género, ya que aquí la acción y las batallas dejan paso a una exploración sobre cómo el lenguaje determina la manera en la que vemos el mundo. Sin embargo, el film no es ningún tratado sobre lingüística, siendo el vínculo de una madre con su hija fallecida el verdadero núcleo del argumento. Es más, la llegada de los alienígenas es tan solo el punto de partida para el desarrollo de la historia, siendo ésta un insólito relato con elementos de ciencia-ficción cuya vertiente emocional engulle todo lo demás.

Amy Adams realiza la interpretación de su vida. Ella es el corazón de la película, su actuación resulta vital para creernos lo que le ocurre a su personaje y asimilar que esto no va realmente sobre extraterrestres, sino sobre cómo su llegada afecta a la humanidad. Su interpretación es soberbia, exponiendo con acierto tanto la fragilidad de su personaje y sus dudas como su determinación y valentía.

A ello se suma la excelente dirección de Villeneuve, teniendo siempre claro lo que quiere contar y la forma en que quiere contarlo, la magnífica fotografía de Bradford Young y el buen hacer en la banda sonora de Jóhann Jóhansson, creando entre todos ellos un espectáculo visual con una lograda sensación de agobiante calma.

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Spoilers

La secuencia inicial está acompañada por la preciosa melodía ‘On the nature of daylight’ de Max Richter y nos muestra la vida de la hija de Louis, desde su infancia hasta su prematura muerte. Dicha escena la asimilamos como un prólogo a lo que sucede después; un hecho con el que la protagonista tiene que vivir el resto de vida y con el que lidia durante la estancia de los alienígenas en nuestro planeta. La secuencia final del film, nuevamente acompañada por la melodía de Richter, nos revela que Louis no tenía en realidad ninguna hija a la llegada de los alienígenas y que su nacimiento y muerte tiene lugar tras su huida, siendo los “recuerdos” de la protagonista no en realidad tales. Louis no reconoce quién es la niña a la que ve en esos “recuerdos” hasta que es consciente de que es la hija que tendrá en el futuro, fruto del amor surgido con Ian, y se enfrenta al terrible conocimiento de saber que vivirá amándola y terminará perdiéndola, incapaz de hacer nada para evitarlo. Sin embargo, decide asumirlo, por lo que en el final dice “A pesar de conocer el viaje y saber cómo terminará, lo celebro y le doy la bienvenida a cada momento“.

Los extraterrestres no perciben el tiempo como los humanos, que solo percibimos el presente, y son capaces de vislumbrar que en 3.000 años necesitarán nuestra ayuda, por lo que acuden a nuestro planeta a ofrecernos un regalo, que resulta ser su lenguaje. A pesar de que los humanos temen que el motivo detrás de su llegada no sea otro que el de aniquilarnos y que los gobiernos perciben dicho regalo como un arma, su presencia en la Tierra responde únicamente a la intención de ofrecernos su lenguaje, el cual nos permitirá percibir la dimensión temporal de la misma manera que ellos. Hay estudios que muestran que aprender un idioma altera la forma de funcionar del cerebro y el modo en que se ven las cosas, y Louis, al sumergirse en el idioma de los heptápodos, usa dicha habilidad de “manipular” el tiempo y lograr que el comandante chino colabore con el objetivo de evitar la guerra. Por otra parte, la llegada de los alienígenas simboliza también el temor que sentimos ante el encuentro de lo desconocido, que no es otra cosa que nuestro propio futuro, y nos plantea la pregunta de si, aun en caso de conocerlo, haríamos algo para cambiarlo.

Mucho se ha hablado del giro de guión final y del flashback que resulta ser un flashforward, pero esto no es del todo cierto. Por ejemplo, en el último capítulo de la tercera temporada de “Perdidos” ocurre eso mismo con el ya famoso “We have to go back”; pensamos que estamos viendo un flashback, al igual que ocurría en todos los capítulos de la serie, cuando en realidad era un flashforward que sucedía una vez habían abandonado la isla. Sin embargo, en “La llegada” no sucede exactamente esto, ya que la película no sigue una historia lineal como tal, siendo ésta un palíndromo temporal. Un palíndromo temporal es una palabra que se puede leer igual de izquierda a derecha que de derecha a izquierda. Que la hija de la protagonista se llame Hannah, que es un palíndromo, no es ninguna casualidad.

Fin de spoilers

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En definitiva, ‘La llegada’ es una intimista película que nos habla del amor, el miedo y la pérdida como pocas veces se ha hecho. La mejor película de 2016 y una obra cumbre del género.

Puntuación: 9/10

Las 10 mejores películas de 2016

1. ‘La llegada’ (‘Arrival’)

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Denis Villeneuve se pasa a la ciencia-ficción con este emocionante relato que se desarrolla a partir de la llegada de unos alienígenas a nuestro planeta, en el que la acción pasa a un segundo plano y, en su lugar, priman las emociones. Pocas veces nos han hablado del amor, la pérdida y el miedo de esta manera. Una obra cumbre de la ciencia-ficción.

2. ‘The Revenant’

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Alejandro González Iñárritu se hizo con su segunda estatuilla a mejor director por este épico drama sobre supervivencia y venganza en la América salvaje del S.XIX. Cabe destacar la magnífica labor de Emmanuel Lubezki en la fotografía y la actuación de Leonardo DiCaprio, quien se hizo por fin con su ansiado Oscar. Dos horas y media de hipnótico deleite.

3. ‘La habitación’ (‘Room’)

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El director irlandés Lenny Abrahamson sorprendió a principios de este año con esta estremecedora y emotiva película sobre una joven secuestrada y encerrada, que, quedándose embarazada de su captor, se ve obligada a criar a su hijo en esa “habitación” en la que lleva encerrada durante años. Brie Larson se llevó el Oscar a mejor actriz y no menos desgarradora resulta la actuación del pequeño Jacob Tremblay.

4. ‘Animales nocturnos’ (‘Nocturnal Animals’)

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Tom Ford vuelve a ponerse tras las cámaras siete años después de ‘Un hombre soltero’ y ofrece esta película divida en dos relatos, combinando una belleza exquisita con una violencia brutal, sobre malas decisiones y sus consecuencias. Un reparto impecable, al frente del cual se haya una extraordinaria Amy Adams y un entregado Jake Gyllenhaal, no hace sino añadirle interés a la cinta.

5. ‘Los odiosos ocho’ (‘The Hateful Eight’)

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Quentin Tarantino no abandona el western en su octavo largometraje, aunque esta vez la propuesta difiere a la ofrecida en ‘Django desencadenado’. De ritmo pausado, se toma su tiempo en la recreación de la atmósfera, la presentación de los personajes y la construcción de la tensión, jugando con las expectativas del público durante gran parte de su metraje de casi tres horas para acabar siendo una de las experiencias más entretenidas que nos ha dado el director estadounidense.

6. ‘Demolición’ (‘Demolition’)

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Jake Gyllenhaal ofrece una de las mejores interpretaciones de su carrera en el papel de un exitoso ejecutivo que sufre la repentina y trágica muerte de su mujer en un accidente de coche. Dicho suceso pone de relieve la apatía emocional en la que llevaba sumergido hasta entonces, tras lo cual inicia un proceso destructivo como extraño método de curación. El director canadiense Jean-Marc Vallée deslumbra con esta emotiva historia sobre la superación del duelo.

7. ‘Comanchería’ (‘Hell or High Water’)

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El director David Mackenzie se atreve esta vez con un western moderno con guión de Taylor Sheridan sobre dos hermanos que atracan bancos en distintos pueblos de Texas para salvar la granja familiar de su fallecida madre, mientras que un policía a punto de jubilarse y su compañero intentan darles caza. Un apasionante y crudo thriller en el que la línea que separa a los buenos y los malos no está tan claramente definida como pueda parecer en un principio.

8. ‘Julieta’

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Pedro Almodóvar regresa con un melodrama maternofilial cuya trama gira en torno a Julieta, quien, a punto de mudarse a Portugal, se encuentra por casualidad con una amiga de infancia de su hija, de la que no sabe nada desde hace años. Dicha amiga le cuenta que se encontró a su hija hace unos años en Italia, y Julieta, conmocionada por la noticia, cancela la mudanza y decide escribir sobre su hija. Turbia e intrigante película sobre mujeres del director manchego.

9. ‘Tarde para la ira’

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Raúl Arévalo da el salto a la dirección y sorprende con una potente ópera prima que narra una historia de venganza cocida a fuego lento. Las actuaciones de Antonio de la Torre y Luis Callejo y su ajustado metraje son otras de sus grandes grandes bazas. Un poderoso thriller del cine patrio.

10. ‘Captain Fantastic’

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Agridulce cuento antisistema encabezado por un entregado Viggo Mortensen interpretando a un hombre que vive junto a su mujer y sus seis hijos desde hace años en un remoto bosque, hasta que las circunstancias le hacen abandonar su hogar y volver a la civilización. Divertida y diferente película.

‘Animales nocturnos’, la desolación del romanticismo

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Tom Ford, aclamado diseñador de moda, escribe y dirige la que es su segunda película tras la sobresaliente ‘Un hombre soltero’. Y, al igual que ocurría con su anterior película, adapta un material ajeno, tratándose en esta ocasión de la novela ‘Tres noches’ de Austin Wright.

La película cuenta con dos tramas. Por un lado, la protagonizada por Amy Adams y, por otro lado, la encabezada por Jake Gyllenhaal. Ambas historias se entremezclan en el film, sin que esto llegue a resultar confuso al estar ambas muy bien diferenciadas.

La primera trama nos presenta a Susan Morrow, el personaje interpretado por Amy Adams. Susan es una artista que, a pesar de gozar de éxito profesional, no parece estar conforme con la vida que lleva, ya que ni su casa en las colinas de Hollywood, ni las lujosas fiestas a las que asiste, ni su actual matrimonio consiguen evitar que se sienta vacía y, en última instancia, infeliz. Una mañana recibe un inesperado paquete, que resulta ser el manuscrito de una novela escrita por su primer marido, Edward Sheffield, interpretado por Jake Gyllenhaal. La novela está dedicada a ella y, junto al manuscrito, se encuentra una nota en la que Edward le pide a Susan que lo lea, dado que ella fue siempre su mejor crítica. Ésta, conforme avanza en la narración, se sumerge cada vez más en la novela.

La segunda trama, correspondiente a la historia de la novela, nos introduce a Tony Hastings, interpretado nuevamente por Jake Gyllenhaal, quien emprende un viaje junto a su mujer e hija. Durante el transcurso del mismo, son embestidos en una carretera de Texas en plena noche por unos jóvenes violentos. Obligado a detenerse, Tony observa con impotencia cómo los jóvenes raptan a su mujer e hija y huyen con ellas en coche.

Tom Ford se consagra con esta película como un director con un exquisito gusto estético, dotando a las imágenes de una tremenda belleza y poderosa fuerza visual. Por otra parte, el uso del color parece ya una de sus señas de identidad, siendo el rojo una presencia constante a lo largo de la cinta, simbolizando la violencia y pasión que rodea a ambos relatos.

Otro de los elementos que juega un papel importante es la banda sonora a cargo de Abel Korzeniowski, quien repite con el director tras ‘Un hombre soltero’, acompañando de manera magistral a la elegancia de las imágenes y acentuando su dramatismo.

Cabe destacar la labor actoral de todos los implicados, sobresaliendo una impresionante Amy Adams en el papel de Susan, quien tiene todas las papeletas para estar entre las nominaciones de este año a mejor actriz en los Oscars. Su interpretación resulta de vital importancia para el film, pues a través de ella contemplamos la turbación que le provoca la lectura de la novela. Por su parte, Jake Gyllenhaal realiza una gran interpretación en ambos roles, tanto el de Edward como el de Tony, llegando a sentirnos identificados con el desasosiego sufrido por sus personajes ante todo lo que les acontece. Les acompañan Aaron Taylor-Johnson como el líder de los jóvenes que secuestran a la mujer e hija de Tony y Michael Shannon como el shérif encargado de su búsqueda, ambos plenamente entregados a sus papeles. La película cuenta también con Michael Sheen y Laura Linney, si bien sus papeles resultan meramente anecdóticos por su escaso tiempo en pantalla.

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Spoilers

A través de los flashbacks observamos cómo era la relación de Susan y Edward. Ella, a pesar de quererle, no podía evitar sentir que era una persona débil, al confundir su sensibilidad con falta de fortaleza, por lo que decide abandonarle y abortar el hijo que iban a tener juntos. 

Edward, años después, escribe una novela y se la envía a Susan para que la lea. En esa novela asistimos a cómo un personaje, interpretado por el mismo Edward en la mente de Susan, pierde a su pareja e hija, siendo éstas raptadas y asesinadas a manos de unos violentos jóvenes. Edward escribe esa historia y le envía el manuscrito a su ex-mujer para hacerle ver que es exactamente como se sintió él tras la ruptura y el aborto, como si alguien le hubiese arrebatado a ambas de manera violenta, siendo las protagonistas de la novela proyecciones del propio Edward sobre Susan y la hija que hubiesen podido tener juntos.

Susan, al leer el relato, queda atrapada por el mismo y le acaba afectando emocionalmente. Al finalizarlo, decide escribir a su ex-marido para quedar a cenar. Sin embargo, él no se presenta y Susan, tras una larga espera en el restaurante, acaba siendo finalmente consciente de lo que significaba realmente la novela y de que Edward no se va a presentar porque ya está todo dicho. Son sus propias decisiones las que han causado su infelicidad y la de su ex-marido. 

Es una película que se presta a numerosas interpretaciones, si bien yo comparto la aquí explicada por los numerosos paralelismos entre ambas historias, lo ocurrido en la relación entre Susan y Edward y lo vivido por Tony en el relato escrito por Edward.

Hay también una interpretación según la cual no existe realmente ningún Edward ya que, cuando Susan se lo menciona a su actual marido, éste no tiene conocimiento de que su mujer hubiese estado casada previamente. En otro momento, Susan mantiene una conversación con su ayudante sobre un cuadro que no recuerda haber comprado. Esto, unido al insomnio que padece Susan, podrían indicar que toda la historia de Tony ha sido, en realidad, inventada por ella. Si bien considero la primera interpretación más acertada, es cierto que esta segunda es totalmente válida.

Fin de spoilers

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En definitiva, ‘Animales nocturnos’ es una fascinante e hipnótica película de impecable diseño que se encuentra entre las mejores del año. Ficción dentro de la ficción, presenta dos relatos de brutal violencia y gélida tristeza. Tan disfrutable de ver como de reflexionar.

Puntuación: 8/10

‘Rogue One: Una historia de Star Wars’, digno spin-off galáctico

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Rogue One’ es el primer spin-off de ‘Star Wars’, ambientado entre los episodios III y IV y centrado en el robo de los planos de la Estrella de la Muerte.

En octubre de 2012 Disney desembolsó más de 4.000 millones de dólares por la compra de Lucasfilm, una cifra que a priori puede parecer desorbitada, pero que la compañía tenía previsto recuperar y rentabilizar solo con la explotación de una de las creaciones de la compañía de George Lucas: la saga ‘Star Wars’. Entre sus planes, una nueva trilogía que continuase los eventos mostrados en la trilogía original, estrenando un episodio cada dos años entre el 2015 y el 2019. Y, entre dichos episodios, un spin-off de la saga, siendo el primero la película que aquí nos ocupa y un segundo sobre el personaje de Han Solo, a estrenar en 2018. La idea de realizar estos spin-off fue acogida con cautela y no estuvo exenta de polémica entre los fans de la saga, ya que muchos se temían que Disney estropease su querida saga convirtiéndola en una franquicia anual sacacuartos. Todo temor ha quedado disipado con el estreno de ‘Rogue One’, que ha sido acogida con el beneplácito tanto de la crítica como del público.

Gareth Edwards, que venía de realizar el reboot de ‘Godzilla’, fue el elegido por Disney para ponerse al mando de este primer spin-off. Sin embargo, su labor ha quedado en entredicho tras filtrarse que los directivos de Disney no quedaron muy satisfechos con el primer resultado de la cinta y ordenaron volver a filmar casi la mitad del metraje, contratando para ello a Tony Gilroy. Disney intentó quitarle hierro al asunto alegando que el volver a rodar escenas era algo común en la industria y que Gilroy se encargaría solo de ayudar a Edwards. Futuras filtraciones indicaron que, en realidad, Edwards fue apartado y Gilroy estuvo al mando, llegando a embolsarse cinco millones de dólares por su trabajo. Todo esto hacía presagiar un sonoro fracaso, ya que hace poco se dio el caso de ‘Escuadrón Suicida’, cuyas regrabaciones estuvieron rodeadas por una gran polémica y el resultado final rozó el ridículo. Afortunadamente no ha ocurrido lo mismo con ‘Rogue One’, que ha salido airosa de toda la polémica previa al estreno y ha resultado ser una entretenida cinta que expande el universo de la saga y profundiza en él.

Mucho se habló también sobre la necesidad de realizar esta película, estando yo mismo en un primer momento entre los que argumentaban que no había tal necesidad, pero he de reconocer que funciona espléndidamente como precuela a la trilogía original, explicando y solventando uno de los defectos más comentados de dichas películas.

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La historia nos introduce a Jyn Erso, quien se ve obligada a huir tras observar cómo soldados del Imperio llegan a su hogar, matando a su madre y secuestrando a su padre, el científico Galen Erso, que será el encargado de construir la Estrella de la Muerte. Años después, Jyn se une al bando rebelde en una misión de alto riesgo para intentar robar los planos de dicha nave.

Al igual que ocurría en ‘Star Wars: El despertar de la fuerza‘, Disney vuelve a apostar por una protagonista femenina, interpretada en esta ocasión por la actriz británica Felicity Jones, estando acompañada por Diego Luna, Donnie Yen y Baze Malbus como sus compañeros rebeldes, Forest Whitaker como su protector y Mads Mikkelsen como su padre. En el lado del Imperio, Ben Mendelsohn ejerce de malo de la función. Cabe destacar entre los implicados a Mads Mikkelsen, mientras que la peor parte se la lleva Forest Whitaker, con un personaje repleto de tics y un tono verbal irritante (si bien esto puede ser culpa del doblaje). El problema es que, a pesar de la buena labor actoral, los personajes resultan un tanto planos y no se aprecia en ellos el carisma de los personajes de la trilogía original o de la nueva. 

En cuanto a lo ocurrido con la banda sonora, no queda sino culpar al estudio por lo sucedido. Michael Giacchino tuvo que sustituir a Alexandre Desplat a última hora, teniendo apenas un mes para terminar de componerla, siendo el resultado decepcionante si se compara con el trabajo realizado hasta ahora por John Williams. No es que llegue a ser mala, pero sí que pasa bastante desapercibida. 

Por otra parte, el ritmo de la película va de menos a más, teniendo la película un comienzo más lento y pausado y desembocando en un tercer acto que es uno de los más entretenidos de los vistos en cualquiera de los blockbusters de este año, siendo verdaderamente el punto fuerte de la película. Un clímax que se desarrolla en dos niveles: tierra y espacio, en el que todo funciona a la perfección gracias a un soberbio montaje. Además, la película cuenta con un final atípico y arriesgado, habiendo declarado el director que, cuando se lo presentó al estudio, no pensaba que se lo fuesen a permitir rodar.

Otro de los puntos fuertes de la película es la breve pero emocionante aparición de Darth Vader. Apenas dos escenas en las que nos recuerda por qué es uno de los villanos más famosos del cine.

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En definitiva, ‘Rogue One’ no pasará a la historia como la mejor película de la saga, pero sí que resulta una entretenida aventura que expande el universo de ‘Star Wars’. Tiene sus defectos y dista de ser perfecta, pero su tercer acto hace que le perdonemos sus errores y que disfrutemos de este digno primer spin-off. 

Puntuación: 6/10

‘Un monstruo viene a verme’, el abismo frente a la verdad

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J.A. Bayona regresa a la gran pantalla con ‘Un monstruo viene a verme’, película basada en el libro homónimo de Patrick Ness.

La idea original de la historia partió de Siobhan Dowd, escritora británica fallecida en 2007 por cáncer de mama. Antes de su muerte tenía planeado escribir una novela cuyo comienzo y personajes tenía ya ideados. Sin embargo, el proyecto quedó incompleto y fue Patrick Ness el encargado de retomarlo. Él mismo ha declarado que quería hacer algo distinto a lo que tenía en mente la autora inicial, dado que opinaba que la mejor manera de rendirle homenaje era hacer un libro que a ella le hubiese gustado y no intentar copiar lo que ella hubiese escrito. Por su parte, Jim Kay se dedicó a ilustrarlo (existe una edición ilustrada del mismo que no puedo más que recomendar). El libro resultó un auténtico éxito. Ness ganó el Carnegie por el guión y Kay el Greenaway Medalls por la ilustración, convirtiendo así al libro en el único cuyo autor e ilustrador han ganado ambos premios. Patrick Ness es también el guionista de la película y se ha encargado de que el film resulte tan fidedigno a la novela como fuese posible.

Por su parte, J.A. Bayona se convirtió en un director de éxito con ‘El orfanato’, su ópera prima estrenada en el 2007, llegando a recaudar casi 80 millones de dólares a nivel mundial y alzándose con 7 Goyas, incluido el de Mejor Director Novel. Su siguiente película, ‘Lo imposible’, basada en una historia del tsunami que destrozó gran parte de la costa del sudeste asiático en 2004, le trajo el reconocimiento internacional, contando ya con un presupuesto abultado y actores de la talla de Naomi Watts y Ewan McGregor, y ganando en esta ocasión el Goya a Mejor Director.

Con este recorrido y palmarés detrás, se tenían muchas expectativas en el siguiente trabajo de Bayona, actualmente enfrascado en la preproducción de ‘Jurassic World II’, y creo que se puede afirmar que no ha defraudado en absoluto.

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La trama gira en torno a Connor, un chico de doce años que sufre acoso escolar y cuya madre padece cáncer. Una noche, Connor se despierta apenas pasada la medianoche y vislumbra, a través de la ventana de su habitación, que un viejo árbol situado frente a su casa toma vida convirtiéndose en un monstruo y se acerca a él. Pero el monstruo no resulta como él esperaba, es diferente y quiere algo de él: la verdad. 

Creo que Bayona era el director adecuado para esta película que, al igual que el libro, contiene una alta carga emotiva, y ya ha demostrado en sus anteriores cintas ser capaz de jugar con dicho elemento. Precisamente, la crítica que más se ha escuchado hacia el film radica en el “bullying” emocional que supone verlo. Sin embargo, considero que esta vez el motivo de la crítica es infundado, pues dicha carga emocional es necesaria teniendo en cuenta lo que está tratando (el cáncer de una madre, el abandono de un padre, el acoso escolar, y el uso de la imaginación para escapar de todo ello) y teniendo en cuenta el punto de vista de quien lo está sufriendo.

Uno de los aspectos a destacar es la impecable factura técnica del film; todo está muy cuidado y según veía las escenas no podía evitar pensar que todo era exactamente como me lo había imaginado al leer el libro. Otro de los aciertos es la magnífica forma en la que están narradas las historias que le cuenta al monstruo a Connor, siendo una de mis partes favoritas de la película. A esto se suma una lograda labor actoral por parte de todos los implicados, destacando a una Sigourney Weaver que se come la pantalla cada vez que aparece en ella.

Ya he citado anteriormente que la película apenas se diferencia de la novela, si bien existen ciertos detalles que se han eliminado o añadido. Un elemento del libro que no se encuentra en la película es el personaje de Lily , lo cual no me supone ningún problema puesto que su aportación a la trama era prácticamente nula. Sin embargo, se añade una escena que no aparece en las páginas de Patrick Ness y que es precisamente la escena final de la película. No solo considero que se la podían haber ahorrado, sino que además le niega a la película el soberbio final que hubiese tenido de haberla eliminado y acabando la película de la misma manera que finaliza el libro.

Cabe señalar que la película ha resultado un éxito en taquilla de nuestro país, convirtiéndose en el mejor estreno español del año y en el noveno mejor estreno de la historia del cine español.

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En definitiva, ‘Un monstruo viene a verme’ es una buena película que cuenta con una historia preciosa y que no esconde en ningún momento su objetivo de que el espectador conecte con la parte emocional de la trama. Gustará a quienes ya hayan disfrutado con la novela o con las anteriores películas de su director.

Puntuación: 7/10

‘Election: La noche de las bestias’, la purga más política

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El inicio de esta trilogía tuvo lugar hace tres años con el estreno de ‘The Purge: La noche de las bestias’, película que contaba como punto de partida con una idea un tanto estúpida pero que podía dar mucho juego: dada la violencia imperante en la sociedad y la saturación de las cárceles, el Gobierno estadounidense aprueba una medida llamada “La Purga anual”, según la cual una noche al año, durante doce horas, está permitido cometer cualquier crimen de manera totalmente legal, incluido el asesinato. Sin embargo, a pesar de su poderosa premisa, la película acabó resultando una propuesta mucho más previsible y desaprovechada de lo que cabría esperar, centrándose únicamente en el asedio a una casa durante dicha noche.

Su secuela, ‘Anarchy: La noche de las bestias’, intentó solventar los errores de su antecesora. Esta vez James DeMonaco, director también de la anterior, supo entender lo que tenía entre manos e hizo borrón y cuenta nueva, contando con nuevos personajes (cinco personas que se quedan fuera de sus casas y deciden aliarse para poder sobrevivir a la purga) y llevando el campo de batalla a las calles, ofreciendo de esta manera un espectáculo mucho más satisfactorio que en la primera entrega. No obstante, seguía pareciendo que no se acababa de explotar del todo la potente premisa con la que contaban.

Este año se ha estrenado la tercera y, por lo que parece, última entrega de la trilogía: ‘Election: La noche de las bestias’, con James DeMonaco repitiendo nuevamente tras las cámaras.

La trama se sitúa dos años después a lo acontecido en la segunda entrega, con el ex-sargento de policía Leo Barnes (Frank Grillo) dirigiendo el equipo encargado de la seguridad de la senadora Charlie Roan (Elizabeth Mitchell), candidata a la Presidencia y partidaria de la supresión de “La Purga anual”, que este año tiene una novedad: no existen excepciones, es decir, que toda persona, incluidos políticos de primer nivel, puede ser eliminada. Esto hace que el aspecto político resulte clave en esta entrega, al situarnos en año electoral con candidatos susceptibles de ser asesinados y teniendo a dos bandos enfrentados: los “Nuevos Padres Fundadores”, representados por la figura del Ministro, y la senadora Charlie Roan. Teniendo en cuenta que en Estados Unidos hay elecciones este año, no es de extrañar que se haya optado por este planteamiento, y es que si uno quiere puede encontrar paralelismos entre la política de los “Nuevos Padres Fundadores” y la llevada a cabo por el candidato republicano Donald Trump; sirva como ejemplo el lema que pasa de “Haz América grande de nuevo” a “Mantén América grande”.

Entre los aciertos de la película está el hecho de que es plenamente consciente en todo momento de sus aspiraciones y no se engaña tomándose demasiado en serio a sí misma, lo cual resulta en un entretenimiento directo y sin complejos, pero que a cambio no se molesta en ahondar en el terreno sociopolítico (tan solo se introducen pequeñas ideas como el “murder tourism” o el hecho de que los pobres sean los que más sufren las consecuencias de la purga). Entre sus fallos se podría citar unos personajes demasiado planos, ciertos altibajos durante su metraje (si bien es cierto que el ritmo está bastante logrado) y un guión predecible y repleto de clichés.

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En definitiva, ‘Election: La noche de las bestias’ se encuentra a medio camino entre la primera y la segunda entrega: no resulta tan limitada ni desaprovechada como ‘The Purge’, pero tampoco tan novedosa ni satisfactoria como ‘Anarchy’, si bien es un digno entretenimiento que tiene muy claro lo que quiere ofrecer y que no decepcionará si te gustaron las anteriores. Lástima que siga quedando la sensación de que no se ha sabido exprimir del todo la premisa con la que se contaba ni sacarle provecho al universo creado.

Puntuación: 5/10

‘The Neon Demon’, la belleza mata

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Nicolas Winding Refn presentó ‘Drive’ en el Festival de Cannes hace cinco años, donde obtuvo el elogio de crítica y público, llegando a alzarse con el premio a Mejor Director en aquella edición. Su estética ochentera y su mezcla de romanticismo y violencia encandiló a los asistentes al festival y su éxito provocó que se siguiese con mucho interés los futuros pasos de su director.

Dos años más tarde se estrenó ‘Solo Dios perdona’, cinta que visualmente se consideró heredera de ‘Drive’, si bien aquí Refn se preocupó más por la forma que por el contenido, dando lugar a un film hueco y decepcionante que no contó con el favor de la crítica ni del público.

Con estos antecedentes había mucha curiosidad por ver qué es lo que ofrecería Refn en su siguiente película, que serviría de cierre para esta trilogía tan particular. Si bien iba a optar por el camino tomado por ‘Drive’ o, en su lugar, seguiría la senda del exceso de ‘Solo Dios perdona’. ‘The Neon Demon’ fue estrenada en Cannes este año, pero su recibimiento quedó lejos del obtenido con ‘Drive’, y es que se acerca más a ‘Solo Dios perdona’ que a dicha cinta.

La película cuenta la historia de Jesse, una joven de quince años recién llegada a Los Ángeles que aspira a triunfar como modelo en el mundo de la moda.

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Spoilers

Durante su primera mitad la película nos muestra el ascenso meteórico de Jesse; apenas acaba de llegar a la ciudad y firma con una conocida agencia de modelos, posa para un fotógrafo de prestigio y cierra una pasarela. El impacto de su llegada provoca la envidia de sus compañeras, que estarán dispuestas a todo con tal de “robarle” su  belleza. Esta parte de la película cuenta con escenas verdaderamente poderosas, pero que van acompañadas de algo más: una lograda creación de atmósfera y un desarrollo lógico del personaje de Jesse.

Desgraciadamente, en la segunda mitad de la película Refn se abandona por completo al exceso por el exceso y en pantalla se suceden todo tipo de escenas gratuitas que van de la necrofilia al canibalismo. Todo ello conlleva a un resultado redundante, pretencioso y, en muchas ocasiones, ridículo. Luis Martínez, crítico de El Mundo, describió la película como “sueño onanista de un director ebrio de sí”, y no cabe más que darle la razón. 

Fin de spoilers

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En definitiva, ‘The Neon Demon‘ cuenta con una primera mitad digna de elogio, con escenas visualmente preciosas y una trama que consigue que nos interesemos por el personaje de Jesse y lo que le sucede. Es en su segunda mitad cuando llegan los problemas, y es que un Refn tan desenfrenado como excesivo acaba destruyendo todo lo logrado anteriormente, provocando que el espectador desconecte de la película y observe con tedio las locuras que se muestran en pantalla. La película hace una clara crítica a la superficialidad imperante en el mundo de la moda, donde la belleza tan efímera es lo único importante (sirva como ejemplo lo dicho por el personaje del modisto: “Beauty isn’t everything. It’s the only thing.”), aunque lo mismo se podría decir de las últimas dos películas de su director. Una pena.

Puntuación: 4/10